Дана Фльор разговаря с Мадлин Брусър, автор на „Изкуството да практикуваш: Ръководство за правене на музика от сърце“.

маделин

Кои са хората, които са ви означавали най-много в музикалното ви образование?

Първият човек, за когото се сещам, е Менахем Преслер, с когото учих две години в университета в Индиана. Той има невероятни уши за цвят и звук - изключителна чувствителност към музикалната поезия и нюанси. Той ме накара да слушам, както никога досега, и ме научи и как да докосвам клавишите на пианото; той предаде това със своя пример. Пианото е живо същество в ръцете му и той предаде изключителната си страст към звука на пианото. Слушането стана активна практика за мен, когато учех с него. Той продължаваше да изтъква нюанси, които бях пропуснал. Той също така ме насочи към творчеството като изпълнител към спонтанността. Той имаше способността да изчака подходящия момент, за да изсвири определена нота, да се настрои в един звук чак до момента, в който следващият да влезе и да знае кога е дошъл този момент. Звукът беше като жива магия за него.

Докато учех с Преслер, имах чувството, че съм станал студент и съм станал художник, който може сам да открива магия в музиката. Развих интензивна връзка със звука и с инструмента. Преслер моделира артистична ангажираност с музиката и я внесе в мен, така че открих собственото си въображение и артистични отговори. По времето, когато се прехвърлих в Juilliard, почувствах, че знам коя съм като художник. Моето преживяване на Juilliard беше свързано най-вече с откриването на цял свят от млади музиканти като мен. Чувствах, че съм намерил колегите си от музикалното семейство, с които да споделя музика. Това беше изключително важно време в живота ми. Това ми даде усещане за принадлежност към света.

Предишните учители ме подготвиха за консерваторията ми, като ми дадоха солидна основа в техниката и музикалния вкус и стил. Те насърчиха естествения ми ритъм и изразителност и ми показаха форми и архитектура в музиката, култивирайки интелигентността ми. Особено Александър Либерман, с когото съм учил в тийнейджърските си години, ми даде много силна основа в техниката и музиката.

Разбира се, първите хора, които оказаха влияние, бяха моите родители. Те свиреха музика у дома и ме водеха на концерти, така че от много малка бях запозната с музиката като основна част от живота, като книги или храна. Баща ми всъщност беше невероятен пианист любител, почти изцяло самоук. Спомням си как играеше всяка сутрин и вечер, докато закусвах или заспивах. Той имаше много нежно докосване, което ми направи дълбоко впечатление.

Също така се чувствам много длъжник на учители, с които съм учил по-късно на Джон Кроун в университета в Южна Калифорния, Жана Старк-Йохманс в Бъркли и Пол Херш в консерваторията в Сан Франциско. Имах само пет урока с Джон Кроун, преди да развие фатална болест. Но за това кратко време той ме научи на нещо много важно, което трябваше да ми отнеме времето и да поставя комфорта на първо място при изучаването на парче, преди да се опитам да постигна пълния обхват на динамиката, както и преди да се опитам да постигна скорост. А Жана Старк-Йохманс и Пол Херш, и двамата невероятни музиканти, ми дадоха разбиране за ключови аспекти на ритъма, неща, които правят разликата в създаването на жизнено, сплотено изпълнение на парче.

Всички тези учители бяха много топли и възпитателни, което беше толкова важно за мен като млад музикант.

Вие сте практикували медитация на внимателност от завършването на магистърската си степен през 1977 г. Какво точно ви е довело до медитация и как ви е променило като музикант?

В края на двадесетте си години почувствах, че нещо не ми липсва в играта, и исках да се чувствам по-спокоен и уверен на сцената. Спомних си, че медитацията, която опитах веднъж в продължение на няколко дни, имаше релаксиращ ефект, затова я опитах отново. И този път останах с него. Това промени целия ми живот като музикант. Това забави ума ми и го изчисти от много странични мисли, за да мога да бъда по-отворен и възприемчив. Забелязвам всичко по-ясно качеството на звуците и усещанията и как те ми влияят, енергията в тялото ми, докато играя, как се движат ръцете и ръцете ми, мислите и чувствата ми. И тази повишена отвореност означава също, че мога да бъда по-креативен, защото в съзнанието ми има повече пространство, може да се осъществи повече обмен между мен и музиката, както и между мен и слушателя. По-умствено и емоционално съм на разположение и съм по-готов да изразя себе си и намеренията на композитора. Мога да вляза по-дълбоко в едно парче и музиката да тече през мен по-свободно.

За да започна целия този процес, трябваше да се поддам на нуждата си от релаксация, бях уморен от безрадостна, натрапчива работа на пианото, спазване на срокове за прослушвания и концерти, имах нужда от свобода, за да намеря естествените си наклонности, да открия коя всъщност съм като пианист, художник и човек. Отначало се отпуснах толкова много, че изобщо не тренирах пиано. Отне ми два месеца, за да искам да се върна към него и когато го направих, открих, че работя по съвсем различен начин, наистина се занимавам с детайли, наслаждавам им се много, вървя бавно и поглъщам музиката много по-дълбоко, отговарям повече на всеки звук. Започнах да уча и учениците си да правят това.

Станах и по-възприемчив към моите ученици. Всъщност книгата на Карл Роджърс Свобода за учене ми беше помогнал да направя това година или повече по-рано. Тази книга ме научи да водя диалог с моите ученици и да ги насърчавам да развиват собствената си интелигентност, вместо просто да ги храня с информация и идеи. Четенето му беше част от преминаването ми към по-приятно преживяване с музиката първо като учител, а след това и като изпълнител. Износвах тесен начин на живот като музикант.

Хората, които идват при мен за уроци или семинари, обикновено търсят едно и също нещо, повече удоволствие и по-дълбока връзка с музиката и със себе си. Те знаят, че екстремните изисквания към нас като музиканти да бъдем спортисти на високо ниво на нашите инструменти и да координираме тялото, ума, ушите и емоциите си в крайна степен лесно могат да ни накарат да загубим радостта, която ни привлече към музиката на първо място. Подобно е на други изключително взискателни дейности, отглеждащи дете, например. Трябва да обърнете внимание на нуждите на детето, да не пренебрегвате собствените си нужди и да балансирате поддържането на къщата, снабдена с храна, поддържането на здравословна среда чрез разрешаване на семейни конфликти и задържането на безпорядъка, осигуряват както комфорта на рутината, така и свободата на нарушаване на рутината на моменти, като през цялото време си изкарва прехраната и се справя с основните четене и социалните връзки извън дома. Как някой прави всичко това? Трябва да се отпуснете. Именно това дава възможност да се съсредоточите върху това, което трябва да се направи, и върху това, което се нуждае от вашето внимание във всеки един момент.

Какво е да въведеш студентите в по-възприемчив подход към практикуването?

Трябва да бъда много възприемчив към тях да разберат какво вече разбират за техния работен процес и ниво на изпълнение и къде имат въпроси или са отворени за ново разбиране. Прекрасното е, че няма двама ученици, които да си приличат, всеки човек е уникален и различен. Така че аз винаги се уча на нови начини на преподаване, докато съм на работа, просто като ги наблюдавам и спонтанно срещам умовете им, както мога. Намирам го за много креативен и радостен.

Много е интересно да интегрираме цялата богата традиция, която сме наследили като музиканти, с конкретния подход, който разработих, който се фокусира много върху слушането и върху ефективната механика на тялото. Това, което наистина помагам на хората, е да възстановите баланса си във физическа активност, което очевидно трябва да направите, за да свирите на инструмент, като сте възприемчиви към музиката, докато я свирите, за да се превърнете в отворен канал за музиката. Понякога студентът може да постигне това, като прилага определен ритмичен подход, който е част от това, което научих като студент по музика. Или, когато се доближават до наистина безплатно изживяване при възпроизвеждане на определен пасаж чрез използване на медитативни техники за слушане, може да открия, че предлагам визуални образи, които да им помогнат да разберат музиката. Използването на изображения е голяма част от традиционното изучаване на музика. Изображенията могат да говорят директно на ученика и да позволят на ръцете им по някакъв начин да превърнат изображенията в музикални ефекти. Безброй елементи работят заедно в творческия процес на изучаване на парче.

Предизвикателството за учениците (както и за професионалните музиканти) е да обърнат щателно внимание на техническите и музикалните детайли. Тук става очевидна нашата съпротива. Всички ние имаме начини да игнорираме детайлите в музиката, точно както живеем живота си, а моята работа е да забелязвам слепите петна на ученика и да им помагам да разберат какво пропускат, като същевременно им предаде пълна вяра способност да го накара да види къде са пренебрегнали бележките или пренапрегнати по някакъв начин и да развие по-пълна връзка с партитурата. Често физическият навик е част от проблема и тогава им показвам по-лесен начин за използване на ръцете им или, ако е необходимо, разбивам пасажа на най-малките физически компоненти, показвайки им как движенията се съчетават с музикалните жестове и поток. Все едно да ги научиш на нов език, те го усвояват както чрез осмоза, така и чрез внимателен анализ, докато в крайна сметка те просто могат да го говорят, могат просто да го направят. Тогава ги насърчавам да излязат и да го учат сами.

Така че обучавате учители, както и изпълнители?

Някои ученици оценяват процеса по-специално и са в състояние да го формулират по ясен и художествено значим начин. Когато видя този подарък за преподаване, ги каня да участват в учителски работилници, където те учат като правят и като гледат взаимно как преподават. Те се редуват да играят ролите на ученик и учител в фалшиви уроци и получават обратна връзка от мен и от групата.

Как работи вашият подход с по-малко напреднали студенти?

По-малко напредналите ученици често могат да усвоят нов подход по-лесно, тъй като имат по-малко навици за преодоляване. Всъщност съм научил много начинаещи, които имат предимството да се научат да използват тялото си ефективно още от самото начало. И Аз съм се възползвали от преподаването тях, защото при преподаването на подхода от квадратна аз научих много за това как работи. По този начин, когато някой влезе да се преквалифицира, ми е по-лесно да анализирам къде точно е проблемът в това как използва ръцете си. Това е особено полезно при преквалификация на пианисти с наранявания, свързани с практиката, те трябва да забавят всичко до ниво за начинаещи, за да се научат как да използват ръцете и ръцете си.

Всички ние сме начинаещи, така или иначе, изискванията за изучаване на музикално произведение са толкова големи, че непрекъснато се сблъскваме със собственото си неразбиране и всеки ден трябва да измисляме нови технически и музикални решения.

Насърчавате ли учениците си да медитират?

Само ако изразяват интерес. Това, което се случва често, е, че докато ученикът възприеме подхода, той влияе върху живота им до известна степен, те естествено започват да забавят и оценяват подробности в живота си също; те се отпускат и осъзнават какво има около тях, защото съзнанието им е тренирано донякъде чрез практикуване на музика по този начин. Тогава те могат или не могат да гравитират да се научат да медитират. Но никога не тласкам никого в тази посока. Разбира се, те знаят, че предлагам лятна програма, наречена Медитация за музиканти, и някои от тях приемат програмата. Дори тогава обаче фокусът е върху това как медитацията може да им бъде полезна на практика и изпълнение.

Защо се отказахте от изява?

Свързвайки толкова много с музиката, аз също се свързвах с целия си живот повече. В професионален план ключовият момент настъпи, когато открих нова поза на пианото, която дойде директно от практиката на медитация, от седенето неподвижно и изправено за определен период от време всеки ден, без значение какви емоции преминаваха през тялото ми. Тази дисциплина, след осем години, доведе до това, че успях да поддържам и проста, изправена поза на пианото, независимо колко емоционална беше музиката. Успях да оставя музиката да тече през мен, без да реагирам срещу нея или да я манипулирам. Просто се случи така, че просто се озовах да играя по този начин. След това накарах моите ученици да изпробват тази поза и всички те играха на 100 процента по-добре на място. И това беше като крушки, които се въртят в главата ми, изведнъж осъзнах, че имам нещо важно да преподавам и това ми стана по-вълнуващо от изпълнението.

В същото време имах нужда да развивам повече личния си живот и чувствах, че трябва да наваксам много загубено време. И открих, че обичам да пиша. Запазих усещането, че съм изпълнител в изнасянето на семинари, които за мен са като представления. Много хора смятат, че изпълнението на музика е толкова специално, че не разбират как някой би могъл да се откаже от нея. Да, беше изключително специално за мен; това беше всичко, което някога съм искал да направя. Но след това открих, че се влюбвам в преподаването и писането на книги. Изглежда е това, което трябваше да направя, и това беше съвсем нов свят.

Значи сте написали повече от една книга?

Сега пиша втора книга за развиване на свобода и увереност в представянето. Беше прекрасно да съставя подход към изпълнението, който се информира не само от собствения ми опит като изпълнител и медитатор, но и от много интервюта, които съм правил с актьори, танцьори и музиканти. Това, за което преподавам и пиша, не е изключително за опита на медитиращите; това е универсален опит, който изпълнителите споделят. Съществува колективна мъдрост за това как да се издигнете над тревожността при изпълнението и да блеснете в светлината на прожекторите. Това е много вълнуващо за мен и се надявам да е от полза за изпълнителите.