За Сезар Франк това развитие изглежда е било по-скоро въпрос на доверие, отколкото на техника. Отдалечаването му от църковната музика през последните петнадесет години от живота му е насърчено от обожаващите го ученици, „la bande à Franck“, които, макар да признават статута му на pater seraphicus, също виждат отвъд него творческата си сила и оригиналност: и двете, според тях, достойни за по-широка аудитория. Всъщност Франк е написал четири пиано трио през 40-те години на ХХ век, но след това не е имало друга камерна музика до пиано квинтета, премиерата е в Сосиете през 1880 г. Сен Сан е пианистът в това изпълнение и премиерата на първата цигулка на Сен Сан соната през октомври 1885 г. може да е дала допълнителен стимул на Франк да се ангажира със средата - и да произведе нещо съвсем различно.

hyperion

Соната на Saint-Saëns започва с инжектиране на огромна енергия в процеса и в това отношение има дълга традиция зад себе си. Франк, от друга страна, се опира на наследството на своя органист и в началото времето изглежда стои неподвижно, както в някаква вълшебна градина. Това беше Франк, който щеше да изсвири на себе си първите ноти от соната „Лунна светлина“, роптаейки: „J'aime, j'aime.“ В същото време тези четири отварящи се бара са структурно важни за съдържанието на интервала на основната трета това е в основата на голяма част от това, което следва. Формално също това движение е необичайно: може да дължи нещо на соната, но няма развитие. Това се отлага до второто движение. Тогава не менует или скерцо? Не, див (и технически труден) алегро, който в тон и тоналност (в крайна сметка превръщащ ре минор в ре мажор) изглежда рискува да звучи опасно като финал.

Псевдооперативната речитативно-фантазия, изпълнена с вълшебни моменти, е най-близкото произведение до бавно движение, но в раздела за фантазия страстните, широко разпространени фрази на цигулката носят своя импулс, плавайки над удобните триплети на пианото. За финал, Франк, знаейки, че трябва да измисли нещо, което да козира второто движение, се обърна към контрапункт и увенча соната с целенасочен канон. Тъй като соната беше сватбен подарък през 1886 г. за белгийския цигулар Eugène Ysaÿe, който я изнесе премиерно в Брюксел на 16 декември същата година, може би не е прекалено фантастично да се чуе този канон като представяне на двама влюбени, започващи съвместен живот със сингъл ум - „където и да отидеш, аз ще отида“.

Почти двайсет години по-късно друг органист, Луис Виерн, ученик на Франк и от 1900 г. насам в Нотр Дам, е помолен от Исае за соната, публикувана през 1908 г. Органистите, които намират това за странно, може да не знаят, че Виерн в в допълнение към първата си награда за орган от Парижката консерватория през 1894 г., спечелил е и първа награда за цигулка през 1886 г. на петнадесет години. Така че дори ако Ysaÿe можеше да е докоснал писането на цигулка тук-там (както имаше навика да прави), той със сигурност щеше да има професионална партитура, върху която да работи. С пианиста Раул Пуньо той дава първото представление на 8 май 1908 г. с голямо признание и те го играят отново на следващата година, рамкирана от соната на Франк и соната на „Кройцър“ на Бетовен - някакъв индикатор за това колко високо го оценяват.

Формата на соната на първото движение обхваща типично енергийно-лиричния контраст между основните теми, а честото поставяне на дълги завързани ноти в средата на редове и фрази дължи нещо на Франк. Но Vierne играе оригинална игра с рекапитулацията на пианото, която идва в „грешния“ ключ на B-dur, цигулката след това се намесва с „правилния“ G-dur. Друга любопитна особеност е броят на внезапните спирки, последвани от паузи, но разсъжденията стават ясни по-късно, когато стремителното тичане до последния каданс изглежда придобива от тези предишни колебания. Andante, с неговите плаващи нестандартни треперещи звуци, звучи толкова лесно за ухото, че е изненадващо да се разбере, че обичайните фрази от осем бара са разширени от хроматични хармонии до дванадесет бара. След това музиката преминава през по-силна секция „agitato“, но без увеличаване на скоростта, като стъпало към „più animato“, дълга цигулкова трела, водеща от своя страна до особено красива реприза на началното спокойствие.

След това дълго, лирично изливане, интермецото ни показва чувството за хумор на Vierne и склонността към икономия на средства, когато той е смятал, че е необходимо: ако някога е писал балет (което никога не е правил), ето как би могло да се случи звучеше, като балерината танцуваше en pointe. Финалът започва с връщане към музиката ‘poco agitato’ на второто движение и по същия начин се ускорява. Основната тема, включваща разказващ мотив от три ноти (нагоре и надолу), е основната тема на разговора и е настроена спрямо по-гладка една от четири или пет ноти от низходящата скала. Соната завършва с още едно тире до последния каданс, както в края на първото движение, и отново твърдата ръка на Vierne със структура позволява на предстоящия G-dur да шофира магистрално през всички хроматични инфлексии.

Eugène Ysaÿe беше един от най-високо ценените цигулари на своето време, Лист и Клара Шуман и двамата се стараеха да го чуят, а Антон Рубинщайн го водеше като партньор на турне. Той също беше много търсен като учител, а сред учениците му бяха Нейтън Милщайн, Оскар Шумски и учителят на Менухин Луис Персингер. Той също така участва в редица изящни произведения в репертоара, особено за собствения си инструмент, но когато навърши тридесетте си години, той погледна назад с известно пренебрежение към това, което бе съчинил дотогава, тъй като липсваше тежест и свидетелстваше за нездравословна загриженост за акробатика. Неговата Poème élégiaque, публикувана през 1893 г., е първата от девет подобни композиции, не всички с „поема“ в заглавието, но която му позволява да следва инстинктите си, без да се притеснява за неща като соната. Той е посветен на Форе, от когото той вече е поръчал пиано квинтет. Може да се окаже, че посвещението е било форма на насърчение за продължаване на тази поръчка: ако е така, то е било само леко успешно, квинтетът най-накрая носи датите ‘1887, 1890-94, 1903-5’. Но освен това, Ysaÿe понякога заимства от наклонените, изненадващи модулации на Fauré.

Всички тези три творби отдават почит по свой собствен начин на музикалното мислене от XIX век - текстурите им са доста плътни и вдъхват сериозност, която трябваше да се превърне в анатема на младите естети от следвоенния Париж, като Жан Кокто, който се противопостави. музика, която да се слуша с глава в ръце “. The Ноктюрн от Лили Булангер не може строго да се свързва с това движение, тъй като тя го е написала на осемнадесет години през 1911 г. Но то показва в чистите си линии, леки текстури и почти иронично внезапното отхвърляне на псевдоромантичния връх, движение назад в тон към музиката на по-ранни френски композитори, докато малкият цитат в края от този на Дебюси Prélude à l’après-midi d’un faune със сигурност очаква бъдещето, в което Вагнер вече няма да държи юздите на властта.

‘Alors messieurs, dames… след вашето сериозно задоволително хранене, ще вземете ли сорбет?’