от Джей Нордлингер

На Лорин Маазел със симфоничния оркестър на Бостън, Проклятието на Фауст в Met, вечер на нова музика в Камерното музикално общество на Линкълн център и Нееми Ярви в Нюйоркската филхармония.
Дял

Преди няколко лета германският камерен оркестър от Бремен дойде в града, изнасяйки концерт на фестивала "Предимно Моцарт". И отличната критичка Ан Миджет, тогава на Ню Йорк Таймс, сега на Washington Post, отвори рецензията си по този начин: „Бъдещето на класическата музика е гореща тема в наши дни. Много от нас твърдят за необходимостта от повече нови творби, повече разнообразие и по-съвременен вкус. " Но това, което оркестърът в Бремен осигури, беше „изцяло концерт на Бетовен с някои от най-традиционните, често играни репертоари в книгата“: Увертюра на Кориолан, концерта за цигулка и симфонията „Eroica”. „И какво знаеш? Тълпите стигнаха от Алис Тъли Хол до ъгъла и мнозина бяха обърнати разочаровани. Изглеждаше като събитието на лятото. Което трябва да напомни на някои от нас, че едно нещо, което класическата музика иска, е класическата музика. "

нюйоркска

О да. Може да посочите, че Алис Тали не е много голяма зала, което е вярно. Но между другото Ейвъри Фишър е много по-голяма зала. И по време на мандата си като музикален директор на Нюйоркската филхармония (2002–2009), Лорин Маазел организира там фестивал на Бетовен. Това включваше всички симфонии, всички концерти за пиано и разпръскване на увертюри. И не можахте да получите билет - концертите бяха абсолютно разпродадени. Вечен глад има за Бетовен и това е глад, който Бетовен постоянно засища. Този сезон Бостънският симфоничен оркестър, под ръководството на музикалния си директор Джеймс Ливайн, изпълнява пълните симфонии на Бетовен. И BSO дойдоха в Карнеги Хол, за да изпълнят две от тези симфонии: № 6 във F, известна като „Пасторала“ и No 7 в A, която Вагнер известен като „апотеоза на танца“.

Ливайн не дирижира оркестъра в Карнеги Хол. Той се състезаваше с лош гръб. На негово място на подиума беше Маазел. Писах за него на тези страници горе-долу непрекъснато в продължение на седем сезона. Никога не съм очаквал да пиша за него отново толкова скоро. Но там той беше с бостонците и той беше неговият типичен Аз: брилянтен, объркващ, ужасяващ и вълнуващ. Когато напусна Филхармонията и аз обобщавах, една от точките, които изтъкнах за него, беше, че винаги можеш да се учиш от него. Той ще ви покаже нещо ново дори в резултат, който е изключително познат. Тортата отне една вечер, когато той ми показа нещо ново - извади нещо, което никога досега не бях забелязвал - в Beethoven’s Fifth. Той направи това и с Шесто и със Седмо, особено с първото.

В първото движение той използва някаква фраза, която е напълно нетрадиционна, а не изцяло погрешна - може дори да е била правилна. Освен това музиката имаше необичайна хапка и хрупкавост. Това движение не беше строго красивата работа, която може да бъде. Във второто движение Maazel стана наистина странно - странно и завладяващо. Това движение изобразява ручей, както си спомняте, и обикновено е гладко течение. Но не от Маазел. Той натискаше и дърпаше музиката, спираше и пускаше, стискаше и закачаше. Част от движението беше изискано и трогателно; други части бяха мъчителни и незащитими. Това беше истинско представление на Maazel. Следващите две движения - събирането на местните хора и бурята - бяха великолепни. С тези хора от страната, Maazel демонстрира своето невероятно чувство за ритъм. В интервю с мен миналото лято той обсъди отношенията си с джаза. Той каза, всъщност: „Като всеки американец и аз имам ритъм.“ (Това вероятно би трябвало да бъде „Аз има ритъм, "но няма значение.) Вярно е. И той беше особено възхитителен от синкопацията на Бетовен. Що се отнася до бурята, тя рядко е имала толкова много драма, толкова жизненост.

Трябва да кажа, че последното движение - тази овчарска песен - премина прилично, не по-добре. Но това е добре: останалата част от симфонията беше достатъчно арестуваща.

Ами Седмата? Ще спомена само две от движенията - отварянето и затварянето. Това отварящо движение беше изцяло прометейско, ако използваме дума, често свързана с Бетовен. Беше целенасочено, решително, категорично - толкова добре дефинирано, можеше да е изсечено в желязо и диамант. И последното движение беше вълнуващо, като Маазел танцуваше с опашка, цялата заредена. Той беше див като тийнейджър, но напълно контролираше: партитурата, оркестъра и себе си. Понякога изглежда, че не знае, че е почти на осемдесет. И като бонус той се захваща с работата си с най-красивата техника на палка, която някога е имало. Ако не харесвате това, което чувате, можете поне да се насладите на това, което виждате.

Преди години Маазел каза, че Бетовен е най-добрият приятел, когото някога бихте имали: с вас през дебели и тънки, никога не ви разочарова. И в това има истина. Нищо чудно, че се връщаме при него отново и отново.

През последния сезон Метрополитън опера поставя нова постановка на Берлиоз Проклятие на Фауст. Посетителите, които обикалят срещите, се интересуват особено от тази продукция поради тази причина: тя е създадена от Робърт Лепаж, който носи отговорността за създаването на следващия Пръстен. Едва ли има по-голяма работа в операта от създаването на тетралогията на Вагнер. Продукцията на Lepage ще замени тази на Otto Schenk, която беше в репертоара на Met повече от двадесет години. Това е една от най-обичаните продукции, от каквото и да било, която Мет някога е имал и с право: Това е или е било триумф на реализацията на Вагнер. Много критици го презираха, намирайки го за твърде „буквален“, твърде „традиционен“, твърде „консервативен“. Те много ще предпочетат Lepage’s Пръстен, обаче се оказва, защото със сигурност ще бъде достатъчно моден.

Продукцията на Lepage е малко озадачаваща. Не изглежда подходящо оперно производство, което е добре, защото Проклятието на Фауст не е подходяща опера. Това е по-скоро драматична оратория или, както самият композитор го нарича, „légende dramatique“. Лепаж създава поредица от изображения, човешки колажи, с паяци, катерещи се по стени, балерини, които се въртят наоколо, Христос на кръстове и т.н. Някои намират всичко това за разсейващо, други го поглъщат. Продукцията ме кара да се замисля какво са правили аниматорите Фантазия: предоставяне на изображения, които да се съчетаят с музиката. Като алтернатива мисля за вълновите дизайни, които могат да се появят на екрана на вашия компютър. Лепаж очевидно притежава въображение и артистичност. Вярвам обаче, че той прави съществена грешка в тази продукция: Когато Маргарита пее „D'amour l'ardente flamme“, Лепаж показва видео с пламъци - той някак подпалва хибачи, което кара публиката да се смее, което не е идеален в този момент. Но се откъснах от това, второто ми преживяване с Lepage’s Проклятие, любопитно да видя какво е неговото Пръстен ще бъде. Първата вноска, Das Rheingold, ще дебютира в Opening Night на следващия сезон. Стискам палци.

Вечерта на нова музика беше организирана от Камерното музикално общество на Линкълн център. Концертът се състоя в Rose Studio, привлекателна, малка стая. В програмата бяха петима композитори и всички те присъстваха, за да чуят парчетата си и да си поклонят. Техните парчета са писани от 1994 до 2006 г. И всички тези композитори са американци, с изключение на един, Матиас Пинтчер, който е германец. Освен това тези пет композитори са удостоверени. Тоест те са спечелили награди Grawemeyer, Pulitzers, Grammys, Guggenheims, комисии на големи оркестри, професорски професии в консерваторията и т.н. Те имат печат за одобрение на музикалното заведение. Всъщност те са част от това заведение. Въпреки това в тази програма имаше много добра музика.

Концертът започна с творба на Себастиан Куриер, роден през 1959 г. Това беше Нощно време за цигулка и арфа. Момче, много нощна музика се пише - излишно и повтарящо се. Работата на Currier е в пет движения, първото от които се нарича здрач. Както в хиляди други парчета, ние чуваме неща, които се разпадат през нощта. Музиката е мръсна, страшна - вие знаете тренировката. Но след това има лирически излияния от цигулката и нещата стават интересни. Второто движение, Sleepless, е добре наречено. Това е спретнато малко скерцо, джази, весело и пикантно. Третото движение, вечерня, е песенно, но не сладко: то е песенно и дисонансно. Нощният вятър е друго движение, което звучи като заглавието му - така смело. И работата завършва със Starlight, което може да е малко прекалено научно-фантастично за вас на места, но е и приятно загадъчно и блестящо.

Къриер е написал красиво импресионистично произведение, което е точно с правилната дължина и чиито движения са в баланс, образувайки ясно цяло. Цигулката и арфата правят чудесна комбинация, а Currier експлоатира тази комбинация с умения. Като цяло, Нощно време е парче за наслада и възхищение.

Матю Пинчър (р. 1971) е едновременно композитор и диригент и има натоварена, успешна кариера. Няма да му навреди, ако почукам парчето, което чухме на концерта на Камерното музикално общество. Това е Проучване II за трактат върху воала за цигулка, виола и виолончело. Парчето е по-изтощително от заглавието. Знаете ли тези призрачно-страшно-отвратителни парчета? Това е един от тях. Това е вид парче Нощно време може първоначално да заплашва да бъде, но не е така. Проучване II включва скърцане, стенания, потръпване, глупости, тежко дишане - всички трикове в чантата. Честно казано, звучи като пародия на такова парче, пародия от някакъв среден композиционен враг. За да добавите обида към нараняване, фигурата е дълга до степен на взаимосменяемост. Според мен тя може да служи като саундтрак към някакъв филм на ужасите, но не работи като самостоятелно парче. Освен това светлините в Rose Studio бяха изключени за парчето, очевидно в опит да подобрят ефектите му или да настроят настроение. Атмосферата не беше от голяма помощ.

Светлините бяха включени отново за творба на Кристофър Рус (р. 1949). Бяха събрани седем музиканти Compline, и тези музиканти свиреха на флейта, кларинет, арфа, две цигулки, виола и виолончело. Тази работа няма паузи, но има няколко отделни раздела. Започва енергично, категорично, напористо. Ритъмът се движи отново и отново и около този ритъм се играят различни облизвания. Помислих си: „Това може да е някакъв шантав братовчед на Болеро.По-късно цари спокойствие и чуваме онова, което трябва да опиша като музика на Клеопатра, която се излежава в палатката. Напомних ми малко за операта на Barber’s. Тогава има нещо подобно на хоровото - подходящо за произведение с религиозно заглавие. След това повече Клеопатра, после повече енергичност и самоувереност, после други неща, докато настъпи мирен край. Това е малко изтощителна работа и не съм сигурен, че съвпада перфектно. Също така не съм сигурен, че дължината му е оправдана - но не беше особено благоприятна за това, че трябваше да следвам доста дългата или дълготрайна работа на Pintscher.

Либи Ларсен е Минесотан, родена през 1950 г. И този концерт я представя Танцува Соло за кларинет - само за кларинет, тоест придружен от нищо. Когато пишете за кларинет, едва ли можете да не се дразните. Това е особено вярно, разбира се, за американец. И може да е трудно, особено когато пишете само за кларинет, да избегнете просто юфка - джази юфка. Ларсен прави малко юфка в първото си движение, но недостатъчно, за да навреди. Това е прекрасна, приятна работа. Той е в четири движения и първото се нарича „със сенки“. (Малките букви са собствени на композитора.) След това идва „осем на такт“ и наистина чуваме кларинетиста да брои осем: осем тона. Това движение, както и работата като цяло, наистина се люлее. Третото движение е „в десет бавни кръга“, красиво замислено и оформено. И крайното движение е „плоско“ - дразнещо, искрящо и правещо усмивка.

Трябва да отбележа, тъй като писах за дължина, че Танцува Соло е точно правилната дължина - с не много бележка или твърде малко. Веднъж пианистът Ърл Уайлд каза: „Музиката трябва да казва това, което трябва да каже, след това да слезе от сцената“ - съвсем така.

След Ларсен може би беше време да се приберем, докато прибирането беше добро. Но програмата завърши с нещо изключително заслужаващо. Това беше Музика за пиано трио, „Маршът на глупостта“, от Джъстин Дело Джойо (р. 1955). Някаква връзка? Да, той е син на покойния композитор Норман Дело Джойо. И той учи с някои от прочутите колеги на баща си: Persichetti, Sessions и Diamond. Тази пиано-трио пиеса е в четири части, започвайки с този марш на глупостта. Звучи и така: Това е майтапски, малко като Шостакович. Освен това е пълен с драматизъм и характер, звучещ почти оперно. Тогава имаме движение, наречено „Прекъсване (прекратяване на страданието)“ - то не е много прекъсване или прекратяване, тъй като е много, много напрегнато. Интересно също. Третото движение е „Маршът на глупостта: Към бездната/Катаклизма“. Това е като първото движение, само по-лудо и по-катаклизмично. Толкова ли ярост някога е била опакована в партитура за пиано-трио? Последното движение е Епилог: Молитва за Киара. Това е наистина красиво и трогателно (и кратко).

Намерих тази работа за изключително ангажираща; Dello Joio ме водеше на всяка крачка. И нека кажа нещо особено лично: Радващо беше да ме трогне ново музикално произведение, нещо, което съм преживявал твърде рядко. И отсега нататък, когато чуя името Dello Joio, може би ще мисля за Джъстин колкото за Норман.

В Ню Йоркската филхармония Нийм Ярви се обърна като гост-диригент. Той е седемгодишен естонец, който е служил двадесет и две години като диригент на Гьотеборгската симфония (1982–2004) и петнадесет години като диригент на Детройтския симфоничен оркестър (1990–2005). След това замина за няколко сезона в Ню Джърси. Бил е и на много други места, на много други подиуми. Сега той е диригент на Хагската филхармония. И двамата му синове са диригенти, единият от които е Пааво Ярви, който дирижира концерта на Бремен изцяло Бетовен, споменат в началото на тази хроника.

Neeme Järvi си е направил име и е направил и маса записи - нещо като 400 от тях. Той не е имал точно неясна кариера. Но някои от нас смятат, че той трябва да бъде още по-голямо име и че е трябвало да има по-големи подиуми. Той е един от най-способните, разбиращи и най-многостранни диригенти наоколо. Преди години, когато бях зелен, си мислех, че музикалният бизнес е меритокрация, като сметаната се издига на върха. Тогава израснах и осъзнах колко много играят политиката и други немузикални фактори. Може би единствената истинска меритокрация може да се намери в спорта и индивидуалните спортове (например тенис или голф) при това. Във всеки случай, Ярви има отлична кариера и не се нуждае от буу-хуй от мен. На началната страница на уебсайта му има изявление от него: „Обичам непрекъснато, всеки ден. От сутрин до вечер обичам музиката. "

Той откри своя филхармоничен концерт с увертюрата на Бетовен Съществата на Прометей. По същество Ярви го оставя да бъде неговото одухотворено, жилаво аз. След това програмата отстъпи малко назад във времето, за Симфония № 38 на D на Моцарт, известна като „Прага“. Ярви даде фина, солидна сметка, дори и да беше малко работен ден. Тук-там беше вяло, не по темпо или изпълнение, а по дух. И ще разкажа нещо интересно за маниерите на сцената. В края на първото движение публиката аплодира, както обикновено се прави. Вместо да плюе по това, или да задушава в мълчание, или да се прозява, Ярви се обърна и малко кимна - много старо училище, много хубаво.

Втората половина на програмата е предадена на голямо произведение от композитора, наполовина забравен, Александър Землински. Това беше неговото Лирична симфония в седем песни (текстове от Тагор). Землински беше виенчанин, който се натъкна на нацистите, който нарече музиката му „изродена“. Тогава той, или неговата музика - тъй като той почина през 1942 г. - беше подложен на „втора диктатура“, както веднъж каза ученият по музика Майкъл Хаас: Модернисткото истеблишмент го презираше с термини, които не се различават от тези, използвани от нацистите. Във всеки случай Землински има своите шампиони, особено диригента Джеймс Конлън, и може би е по-добре да се каже, че Землински не е наполовина забравен, но наполовина запомнен.

T той Лирична симфония е здрав, романтичен, понякога издут, често Щраус (или Щраус Землинскиан?). Седемте му песни са за баритон и сопран, последователно. Отношението на Лирична симфония към по-ранна работа, Mahler’s Песен на Земята, е очевидно. Но парчето на Землински е свой човек, така да се каже. Пеещите за Ярви и Филхармонията бяха Хилеви Мартинпелто, швед, и Томас Хампсън, звездата от Спокейн. Звукът на сопраното беше някак възглавничаст, а интонацията й понякога беше приблизителна. Но тя докосваше и дори транспортираше по начина, по който пееше. Психически беше по-добра от вокалната, което заслужава доверие. Що се отнася до Хампсън, той даде малко по-малко от клиника по пеене.

Ярви също беше майсторски, давайки пример за интелигентен романтизъм на подиума. Той се чувстваше и дисциплинирано - страстен, но зрял, ако щете. Той направи отличен случай за Лирична симфония, и отличен случай за себе си, въпреки че последният случай е излишен. Между другото, от следващия сезон той ще се завърне в Естонския национален симфоничен оркестър, където е бил музикален директор от 1963 до 1979 г. Той отново ще бъде музикален директор. И нека и Ярви, и естонците се радват на завръщането у дома.